Jinny Yu

Jinny Yu is in Between + All at Once

Essay by Georgiana Uhlyarik published in Jinny Yu: At Once. This publication is available for purchase from the following locations:

ENGLISH

I am writing during the three days of Chuseok — the Korean autumn harvest festival — and only days after the 2023 autumnal equinox, when light and dark split the day in half around the planet. It is a time when the sun appears directly above the earth’s equator, bringing the two hemispheres in equal balance as they begin their forthcoming journey, extending their reach into the other’s day or night. It is also the third time Canada has marked the National Day for Truth and Reconciliation, observed on September 30 of each year since 2021 — a day of remembrance of and reflection on the violent and unjust history of colonialism in these territories, and our shared responsibility to seek truth and justice for Indigenous peoples and honour their sovereignty.

At the gathering of these seemingly unrelated yet entangled occasions, Jinny Yu’s new colourful and kaleidoscopic paintings and works on paper could be contextualized. In recent years, Yu has awakened new research interests, realizing new complexities regarding notions of belonging to a place, a state of statelessness and acceptance of displacement as a human condition. The nuance of “not having a place to belong to at all, instead of not being able to belong” ¹  may be slight but is a critical difference in shifting understanding of the possibility of connectedness and the imposing weight of historical events.

The works in her new series, Inextricably Ours, represent a journey of nearly three years of research, painting, and several artist residencies as she questioned and re-examined the “binary of hosthood and guesthood,” re-tuning her pictorial language of abstraction. ² As Yu says, after Perpetual Guest (2019) — her installation of painting on glass — and Hôte (2020) — her drawings and artist book — she wanted to linger longer on the troubled guest/host relationship, and challenge the limitations of these established positions.

Yu set out to make paintings that take time, that are laborious, careful, and open-ended, not knowing where they might lead. Her work had dwelled during the past 14 years in a conceptual realm where she was “questioning what painting is, beyond the image.” ³  Painting had been a verb for her — an action that constitutes a painting, a gesture, mechanical brushwork. A series of unsettling artistic questions coupled with disturbing social global events and deep personal reflection necessitated Yu’s reconsideration of the undeniably generative role of the image in painting. A shape emerged in her drawings and with it her inescapable “problem of background,” as she calls it. Not long after — perhaps inevitably — her work welcomed once again, and with full force, a release of colour.

Yu’s three-year journey began slowly and sensitively in late 2020. She was striving to process the ongoing covid-19 pandemic and its amplification of anti--Asian racism, and the mounting civil unrest condemning systemic racial discrimination. Earlier that year, she had produced and exhibited Hôte, 42 graphite drawings — a set that resulted from a daily practiced task — that she made into an artist book. 4 Meant to be experienced sequentially, it begins with a tall, dark rectangle placed centrally on a blank square. The figure/ground relationship suggests the guest/host positionality. The combination of three words guided her thinking: “Can guest host? Can host guest? Guest can host. Host can guest.” 5 With each new drawing, the relationship between drawn space and the white of the sheet is reconstituted. Over the series, light and dark grey hatching emerges into grey-on-grey compositions and eventually takes over the full page, blurring positionality and opening up possibilities. Further on, the rectangle is placed at an acute angle —  perhaps a door slightly ajar — evoking a third dimension. It concludes with the sheet covered in graphite hatching, at the centre of which is a very narrow, vertical space left bare save one thin line in the centre.P· ⁴⁶

In its formal simplicity, the planar arrangement of shapes, restricted palette, and focus on the motif of the door, Hôte brings to mind Georgia O’Keeffe’s series of twenty or so related works painted between 1946 and 1960 referencing the so-called “salita” door in her home in Abiquiú, New Mexico. ⁶ O’Keeffe’s fascination with the “wall with the door in it,” as she called it, opened up for her a whole new state of being and artistic innovation that extended her famous early abstractions into new dimensions. 7 Similarly, Yu’s formal investigation in 2020 imagines the potential of transforming set image/ground compositions into new permutations. Hôte is a prolonged reflection on guest/host negotiations, the dangers of fixed identities in these relationships, and the (im)possibilities offered by a shared positionality held in the French word hôte, which can mean both or either host or guest.

After painting only with black for over a decade, Yu felt the need to reassess not only paint’s materiality but also its social implications. While researching the subject, she began to make watercolours using a set of four handmade paintstones by Beam Paints, a colour palette inspired by Agnes Martin: black, greys, and blues. 8 Still highly restricted to a limited range of colour, these exploratory beginnings in blueish grey added another layer of complexity to her compositions. During 2021, Yu’s reading continued and she made only a few large oils on aluminum, in a range of grey blues. Tangentially referencing the edges and corners of her 2018 series why does its lock fit my key? and building on the possibility of the motif of the door, these new paintings introduced a central folded shape — a cuboid coming into being. They gently prepared her for the burst of colour that came during her month-long residency in La Napoule, southeastern France, in April 2022.

It was in a confluence of practical, natural, and artistic circumstances that Yu produced a set of luminous and colourful watercolours later titled the Inextricably Ours w series, 2022. A “wonky cuboid” shape, as she refers to it, had appeared and persisted in her imagination for some time. She had been making line drawing variations of it for months. Trusting that there was great potential in it, Yu responded to the extraordinary quality of light of the Mediterranean coast by allowing herself to use the full range of colours in the Holbein watercolour set she had brought for ease of portability. She spent the month composing different permutations of this shapeshifting cuboid. Sometimes its facets are different tones of one colour: orange, yellow, blue. In others it is multicoloured in related hues. Her marks are visible, even, revealing the layers and method of application. The facets are translucent, yet also distinct, making the shape recede and protrude at once. Edges are not drawn lines; rather they are the result of facets encountering one another. The surrounding colour varies between high contrast with the central image — as in green and yellow (W22-05 P· ³²) — and subtle shifts, sometimes of oranges (W22-01 P· ³³) or blues (W22-02 P· ³³).

These dynamic and compelling watercolours are ever changing. Working and reworking the facets, the colours, the pattern of strokes, and the compositions, Yu is attempting to resist a tiered figure/ground relationship. “I had this idea to flatten hierarchical subordination,” she said, seeking to create a shared space of balance, of simply being in relation to one another. Her cuboids hover in an in-between state of suggested solidity and boundless permeability. Each suggests its own state of becoming; viewed together, they create a syncopated rhythm of radiating shapes and colours, mutating, interrelated yet coherent.

Once back in her painting studio, Yu began exploring in oil on aluminum (her chosen support material since 2004) the ways in which her watercolours had articulated new pictorial directions. Inextricably Ours 22-01, 2022 P· ²⁷, is a cuboid with orange, red, and ochre facets in a field of green overlayed with faint orange streaks. The green at once radiates out and encircles the cuboid, and reads as an autonomous plane extending beyond the edge of the painting. The six edges of the form delineate the central shape and place it in complementary contrast with the green. The brushstrokes of each facet are visible, wispy, layered, and belaboured, yet appear effortless. They are carefully organized and directional, implying an internal logic or system. The facets can be read as separate, or in a variety of combinations — as two adjacent triangles can perceptually conjoin into a quadrilateral with two different tonalities thus creating depth. On its own, the uniform colour of each facet insists on the flatness of its shape. Taken together, they create a state of in between and all at once. Each facet in the image may be distinct in colour or direction of stroke, yet the composition coalesces into an all-overness through her even-handed application of medium. The cuboid is an active but contained shape with edges that never quite sharpen, are never quite in focus. Yu produces an interplay of geometric shapes that bend in and out and then regroup anew. In each of the paintings from this period, there is a passage where the eye can rest longer, and be fed, before the direction of the brushstrokes journeys again in and around the composition.

Yu works on several paintings at a time, allowing each layer to dry before applying the next. This process is well suited for her open-ended project, as it allows new ideas to fold into earlier compositions. In this series, paint covers the whole sheet of metal in varying degrees of translucency, thus controlling the reflectivity of the aluminum in the painting. In a work such as Inextricably Ours 23-03, 2023 P· ⁴⁴, the aluminum seeps through several facets of the cuboid, in contrast with the opaqueness of the expanse that contains it. In her watercolours, the light emanates from within, while in the oils the reflection of the surrounding light activates their luminosity. While some of the paintings reference one of the watercolours and others are newly conceived compositions, working with oil on a much larger scale renegotiates the figure’s relationship to the ground.

The nearly monochromatic cadmium red paintings from 2023 — Inextricably Ours 23-02 P· ²⁹, Inextricably Ours 23-03 P· ⁴⁴, and Inextricably Ours 23-04 P·³⁷ — confound the planar interrelationship between the cuboid and the plane. While still somewhat delineated spaces, they are brought together to be one and both at the same time. Aesthetically generous and inviting, these red compositions are self-propagating, iterative, and complete, and in relation to one another. A new dimension appears in Inextricably Ours 23-04 P· ³⁷. Three lines, originating in one point of the cuboid, extend beyond its shape, reaching the edge of the sheet metal, one meeting the bottom left corner of the painting. These extensions activate a different scale and claim the space beyond the painting itself as part of the composition. The lines connect in multiple ways to each other and produce several interrelationships. The red has spawned shades beyond itself. Shapes appear, dissolve, and stay, patiently taking turns. They scale up and out and inward and down. It is not that the composition is unstable, but rather it is much more constantly shapeshifting, marking the beginning of the opening of the cuboid. Yu starts from that limitation without predetermination, “to see what happens,” and to open up possibilities instead of closing them down.

Working in her Berlin studio in early 2023, Yu experimented with Caran d’Ache gouaches to push open the cuboids in this materially seductive, velvety medium. In her Inextricably Ours g series, 2023, she experiments with extending the colour planes towards the edges of the paper, zooming in while also opening up new dimensions. No longer contained, these compositions appear less stable, as though they are in the very act of mutating. They are myriad colours — green, blue, yellow, red, orange, purple — creating a variety of interrelated oblongs and polygons. Seen together, the planes of colour extend from one sheet to the next, compositionally connecting in the viewer’s space.

Inextricably Ours 23-04 P· ³⁷ was reworked from an earlier state following the gouache drawings. Back in her painting studio in Ottawa, Yu began to work through this approach in a new set of paintings, as well as push those she had yet to finish. Inextricably Ours 23-05 P· ³⁵, Inextricably Ours 23-06 P· ³⁸, Inextricably Ours 23-07 P· ³⁴, and Inextricably Ours 23-08 P· ³⁹ are conceived in this new manner — planes no longer predictable, scale no longer perceivable but rather intuited, colours abundant. These potent images make themselves present without referent or inner hierarchy, creating and recreating interrelationships, negotiating and sharing their space as both hosts and guests at once.

The labour in the studio is the labour of imagination. Jinny Yu’s painting practice is compelling in its subtlety and restraint. Deeply philosophical, her work is poetically political and quietly beautiful. Like all engaged artists, Yu takes from the fullness of the world around her what most resonates with relevance for her, and transforms a gesture, a material, an image, or a thought into an immersive journey into her consciousness, her state of mind. She invites us to walk into her fragments of thought as they reveal themselves piecemeal and all at once — to always slow down and ruminate on contradictions suspended ethereally, not to be resolved but rather absorbed. Her ability to parse fine and poignant distinctions is what reveals her as highly attuned to power dynamics and possessing a sensitive and resonating membrane through which to process and perceive.

1 Unless otherwise noted, all artist quotes are from discussion with the artist, August 14, 2023 in her Ottawa studio.

2 Artist statement for jinny yu: at once at the Art Gallery of Ontario, Toronto (June 22, 2024 – January 5, 2025).

3 Jinny Yu, quoted in Jinny Yu: to activate space (Montréal, Québec: Éditions Art Mûr, 2014), 43.

4 For more on Hôte see “Hôte,” Art Mûr, accessed November 25, 2023, https://artmur.com/en/artists/jinny-yu
/hote and view video walk-through of artist book hôte (2021), Korean Cultural Centre Canada, “Virtual
Artist Studio Visit: Jinny Yu,” March 25, 2021, YouTube Video, 5:00, https://www.youtube.com
/watch?v=4n33OcjDCls. Hôte is now part of the Montreal Museum of Fine Arts Collection.

5 “Virtual Artist Studio Visit”

6 Georgia O’Keeffe, Untitled (Patio Door), ca. 1946, Graphite on paper, 43.2 x 35.6 cm, Georgia O’Keeffe
Museum, Gift of The Burnett Foundation, 1997.6.3.

7 See Georgiana Uhlyarik, “The ‘Light One’: A Case Study” in Georgia O’Keeffe (London: Tate Publishing, 2016).

8 Anong Beam handmade paintstones from materials harvested on Manitoulin Island, Ontario. Accessed

November 25, 2023, https://www.beampaints.com/products/o-keeffe-and-martin-palettes?variant=
39291853537349 [Agnes] Martin Palette: Ultra Grey, Payne’s Grey, Mars Black and Limestone White.
[Agnes] Martin Palette: Ultra Grey, Payne’s Grey, Mars Black and Limestone White.

FRENCH

J’écris pendant les trois jours de Chuseok, le festival coréen de la récolte d’automne, et quelques jours seulement après l’équinoxe d’automne de 2023, lorsque la lumière et l’obscurité divisent la journée en deux autour de la planète. C’est un moment où le soleil apparaît directement au-dessus de l’équateur terrestre, équilibrant les deux hémisphères alors qu’ils entament leur voyage à venir, étendant leur portée sur le jour ou la nuit de l’autre hémisphère. C’est également la troisième fois que le Canada célèbre la Journée nationale de la vérité et de la réconciliation, qui a lieu le 30 septembre de chaque année depuis 2021 – une journée de commémoration et de réflexion sur l’histoire violente et injuste du colonialisme dans ces territoires, et sur notre responsabilité collective de rechercher la vérité et la justice pour les peuples autochtones et d’honorer leur souveraineté.

C’est à l’occasion de la rencontre de ces événements apparemment distincts, mais pourtant enchevêtrés que les nouvelles peintures et œuvres sur papier colorées et kaléidoscopiques de Jinny Yu ont pu être contextualisées. Ces dernières années, Yu a développé de nouveaux intérêts de recherche, en prenant conscience de nouvelles complexités concernant les notions d’appartenance à un lieu, un état d’apatridie et d’acceptation du déplacement en tant que condition humaine. La nuance de « ne pas avoir de lieu d’appartenance du tout, plutôt que ne pas pouvoir s’appartenir ¹ » est peut-être mince, mais elle constitue une différence essentielle pour faire évoluer la compréhension de la possibilité d’établir des liens et du poids imposant des événements historiques.

Les œuvres de sa nouvelle série, Inextricably Ours, représentent un voyage de près de trois ans de recherche, de peinture et de plusieurs résidences d’artistes, au cours desquelles elle a remis en question et réexaminé la « binarité de l’état d’hôte et d’invité », en réajustant son langage pictural de l’abstraction. ² Comme le dit Yu, après Perpetual Guest (2019) – son installation de peinture sur verre – et Hôte (2020) – ses dessins et son livre d’artiste – elle a voulu s’attarder plus longuement sur la relation trouble invité/hôte, et remettre en question les limites de ces positions établies.

Yu a entrepris de réaliser des peintures qui prennent du temps, qui sont laborieuses, méticuleuses et ouvertes, sans savoir où elles pourraient mener. Au cours des 14 dernières années, son travail s’est inscrit dans un domaine conceptuel où elle « questionnait qu’est-ce que la peinture, au-delà de l’image ³ ». Pour elle, peindre était une action qui constitue un tableau, un geste, un coup de pinceau mécanique. Une série de questions artistiques préoccupantes, associées à des événements sociaux mondiaux troublants et à une profonde réflexion personnelle, ont amené Yu à reconsidérer le rôle indéniablement générateur de l’image dans la peinture. Une forme est apparue dans ses dessins et, avec elle, son incontournable « problème du fond », comme elle l’appelle. Peu de temps après – peut-être inévitablement – son œuvre a accueilli à nouveau, avec toute sa force, une explosion de la couleur.

Le voyage de trois ans de Yu a commencé lentement et sensiblement à la fin de l’année 2020. L’artiste s’efforçait de faire face à la pandémie de covid-19 en cours et à son amplification du racisme anti-asiatique, ainsi qu’à l’agitation civile croissante condamnant la discrimination raciale systémique. Plus tôt dans l’année, elle avait produit et exposé Hôte, 42 dessins au graphite – un ensemble résultant d’une tâche pratiquée quotidiennement – qu’elle avait transformé en livre d’artiste. ⁴ Conçue pour être vue de manière séquentielle, la série débute par un grand rectangle sombre placé au centre d’un carré vierge. La relation figure/fond suggère la position invité/hôte. La combinaison de trois mots guidait sa réflexion : « L’invité peut-il être l’hôte ? L’hôte peut-il être l’invité ? L’invité peut recevoir. L’hôte peut être invité. ⁵ » À chaque nouveau dessin, la relation entre l’espace dessiné et le blanc de la feuille est reconstituée. Au fil de la série, des hachures gris clair et gris foncé apparaissent dans des compositions de gris sur gris et finissent par occuper la totalité de la page, brouillant les positions et ouvrant des possibilités. Plus loin, le rectangle est placé à un angle aigu – peut-être une porte légèrement entrouverte – ce qui évoque une troisième dimension. La série se termine par une feuille couverte de hachures à la mine de plomb, au centre de laquelle se trouve un espace très étroit et vertical laissé nu, à l’exception d’une fine ligne au centre P· ⁴⁶.

Par sa simplicité formelle, la disposition plane des formes, la palette restreinte et l’attention mise sur le motif de la porte, Hôte rappelle la série d’une vingtaine d’œuvres connexes de Georgia O’Keeffe, peintes entre 1946 et 1960 et faisant référence à la porte dite « salita » de sa maison d’Abiquiú, au Nouveau-Mexique. ⁶ La fascination d’O’Keeffe pour le « mur avec la porte », comme elle l’appelait, lui a ouvert un tout nouvel état d’esprit et d’innovation artistique qui a propulsé ses célèbres premières abstractions vers de nouvelles dimensions. ⁷ De même, la recherche formelle de Yu en 2020 imagine le potentiel de transformer des compositions image/fond en de nouvelles permutations. Hôte est une réflexion prolongée sur les négociations hôte/invité, les dangers des identités fixes dans ces relations et les (im)possibilités offertes par une position partagée contenue dans le mot français hôte, qui peut signifier à la fois hôte et invité, soit l’un ou l’autre.

Après avoir peint uniquement en noir pendant plus de dix ans, Yu a ressenti le besoin de réévaluer non seulement la matérialité de la peinture, mais aussi ses implications sociales. Tout en faisant des recherches sur le sujet, elle a commencé à réaliser des aquarelles en utilisant un ensemble de quatre pierres à peindre fabriquées à la main par Beam Paints, une palette de couleurs inspirée par Agnès Martin : noirs, gris et bleus. ⁸ Encore très limités à une gamme de couleurs restreinte, ces débuts exploratoires en gris bleuté ont ajouté une nouvelle couche de complexité à ses compositions. Au cours de l’année 2021, Yu poursuivit ses lectures et ne réalisa que quelques grandes huiles sur aluminium, dans une gamme de bleus gris. Faisant tangentiellement référence aux bords et aux coins de sa série de 2018 intitulée why does its lock fit my key? et s’appuyant sur la possibilité du motif de la porte, ces nouvelles peintures introduisirent une forme centrale pliée – un cuboïde en devenir. Elles la préparèrent en douceur à l’explosion de couleurs qui survint lors de sa résidence d’un mois à La Napoule, dans le sud-est de la France, en avril 2022.

C’est dans un concours de circonstances pratiques, naturelles et artistiques que Yu a réalisé une série d’aquarelles lumineuses et colorées, intitulée plus tard Inextricably Ours w (2022). Un cuboïde bancal (wonky cuboid), comme elle l’appelle, était apparu et persistait dans son imagination depuis un certain temps. Depuis des mois, elle en avait fait des variantes sous forme de dessins au trait. Confiante qu’il y résidait un grand potentiel, Yu s’est saisie de l’extraordinaire qualité de la lumière de la côte méditerranéenne en s’autorisant à utiliser toute la gamme de couleurs du coffret d’aquarelles Holbein qu’elle avait emmené avec elle en raison de sa portabilité. Elle a passé ce mois à composer différentes permutations de ce cuboïde métamorphe. Parfois, ses facettes sont des tons différents d’une même couleur : orange, jaune, bleu. Dans d’autres, elles sont colorées de diverses teintes apparentées. Ses marques sont visibles, uniformes, et révèlent les couches et la méthode d’application. Les facettes sont translucides, mais aussi distinctes, ce qui confère à la forme un caractère à la fois éloigné et saillant. Les contours ne sont pas des lignes tracées, mais plutôt le résultat de la rencontre de facettes. La couleur environnante varie entre un contraste élevé avec l’image centrale – comme le vert et le jaune (W22-05 P· ³² ) – et des changements subtils, parfois des oranges (W22-01 P· ³³ ) ou des bleus (W22-02 P· ³³).

Ces aquarelles dynamiques et fascinantes sont en constante évolution. En travaillant et en retravaillant les facettes, les couleurs, le motif des coups de pinceau et les compositions, Yu tente de résister à un rapport hiérarchique entre la figure et le fond. « J’ai eu l’idée d’aplanir la subordination hiérarchique », a-t-elle expliqué, cherchant à créer un espace partagé d’équilibre, d’être simplement en relation les uns avec les autres. Ses cuboïdes flottent dans un état intermédiaire de solidité suggérée et de perméabilité sans limites. Chacune suggère son propre état de devenir ; considérées ensemble, elles créent un rythme synchronisé de formes et de couleurs rayonnantes, en mutation, interdépendantes et pourtant cohérentes.

De retour dans son atelier de peinture, Yu a commencé à explorer avec l’huile sur aluminium – le support qu’elle préconise depuis 2004 – les façons dont ses aquarelles avaient articulé de nouvelles directions picturales. Inextricably Ours 22-01, 2022 P· ²⁷, est un cuboïde à facettes orange, rouge et ocre dans un champ de vert recouvert de légères stries orange. Le vert à la fois rayonne et encercle le cuboïde, et s’interprète comme un plan autonome qui s’étend au-delà du bord du tableau. Les six arêtes de la forme délimitent la figure centrale et la placent en contraste complémentaire avec le vert. Les coups de pinceau de chaque facette sont visibles, vaporeux, superposés et laborieux, mais paraissent exécutés sans effort. Ils sont soigneusement organisés et orientés, ce qui implique une logique interne ou un système. Les facettes peuvent être lues séparément ou dans une variété de combinaisons – comme deux triangles adjacents peuvent se rejoindre perceptivement pour former un quadrilatère avec deux tonalités différentes, créant ainsi de la profondeur. Prise individuellement, la couleur uniforme de chaque facette souligne la planéité de sa forme. Ensemble, les couleurs créent un état d’entre-deux et de tout à la fois. Chaque facette dans l’image peut être distincte en termes de couleur ou de direction du trait, mais la composition se fond dans un tout, grâce à l’application uniforme du médium. Le cuboïde est une forme active, mais contenue, dont les bords ne sont jamais tout à fait nets, jamais clairement définis. Yu produit un jeu de formes géométriques qui se courbent vers l’intérieur et l’extérieur, puis se regroupent à nouveau. Dans chacune des peintures de cette période, il y a un intervalle où l’œil peut se reposer plus longtemps et se restaurer, avant que la direction des coups de pinceau ne reparte dans et autour de la composition.

Yu travaille sur plusieurs tableaux à la fois, ce qui permet de laisser sécher chaque couche avant d’appliquer la suivante. Ce processus est bien adapté à son projet continu, car il permet à de nouvelles idées de se greffer à des compositions antérieures. Dans cette série, la peinture recouvre toute la feuille de métal avec des degrés de translucidité variables, ce qui contrôle la réflectivité de l’aluminium dans la peinture. Dans une œuvre comme Inextricably Ours 23-03, 2023 P· ⁴⁴, l’aluminium s’infiltre à travers plusieurs facettes du cuboïde, en contraste avec l’opacité de la surface qui l’entoure. Dans les aquarelles de l’artiste, la lumière émane de l’intérieur, tandis que dans les huiles, la réflexion de la lumière environnante active la luminosité. Alors que certaines peintures font référence aux aquarelles et que d’autres sont des compositions nouvellement conçues, travailler à l’huile à une échelle beaucoup plus grande redéfinit la relation de la figure avec le fond.

Les peintures presque monochromes rouge cadmium de 2023 – Inextricably Ours 23-02 P· ²⁹, Inextricably Ours 23-03 P· ⁴⁴, et Inextricably Ours 23-04 P· ³⁷ – confondent l’interrelation planaire entre le cuboïde et le plan. Tout en restant des espaces encore quelque peu délimités, ils sont réunis pour ne faire qu’un et être les deux à la fois. Esthétiquement généreuses et invitantes, ces compositions rouges sont autoreproductrices, répétitives et complètes, et en relation les unes avec les autres. Une nouvelle dimension apparaît dans Inextricably Ours 23-04 P· ³⁷. Trois lignes, prenant naissance en un point du cuboïde, s’étendent au-delà de sa forme, atteignant le bord de la feuille d’aluminium, l’une d’entre elles rencontrant le coin inférieur gauche du tableau. Ces extensions produisent une échelle différente et revendiquent l’espace au-delà du tableau lui-même comme faisant partie intégrante de la composition. Les lignes se connectent de multiples façons les unes aux autres et produisent plusieurs interrelations. Le rouge se décline en plusieurs nuances. Les formes apparaissent, se dissolvent et subsistent, se relayant patiemment à tour de rôle. Elles s’étendent vers le haut et vers l’extérieur, vers l’intérieur et vers le bas. Ce n’est pas que la composition soit instable, mais plutôt qu’elle se métamorphose en permanence, marquant le début de l’ouverture du cuboïde. Yu part de cette limite sans prédétermination, « pour voir ce qui se passe » et pour ouvrir des possibilités au lieu de les fermer.

Travaillant dans son studio berlinois au début de l’année 2023, Yu a expérimenté les gouaches Caran d’Ache pour ouvrir les cuboïdes dans ce médium matériellement séduisant et velouté. Dans sa série Inextricably Ours g de 2023, elle expérimente en étendant les plans de couleur vers les bords du papier, ce qui permet de les amplifier tout en ouvrant de nouvelles dimensions. N’étant plus contenues, ces compositions apparaissent moins stables, comme si elles étaient en train de muter.

Elles sont d’une myriade de couleurs – vert, bleu, jaune, rouge, orange, violet – créant une variété de rectangles et de polygones interdépendants. Vus ensemble, les plans de couleur s’étendent d’une feuille à l’autre, se combinant en composition dans l’espace de l’observateur.

Inextricably Ours 23-04 P· ³⁷ a été retravaillé à partir d’un état antérieur à la suite des dessins à la gouache. De retour dans son atelier de peinture à Ottawa, Yu a commencé à explorer cette approche dans une nouvelle série de peintures, tout en poursuivant celles qu’elle n’avait pas encore terminées. Inextricably Ours 23-05 P· ³⁵, Inextricably Ours 23-06 P· ³⁸, Inextricably Ours 23-07 P· ³⁴, et Inextricably Ours 23-08 P· ³⁹ sont conçues de cette manière – les plans ne sont plus prévisibles, l’échelle n’est plus perceptible, mais intuitive, les couleurs sont abondantes. Ces images puissantes se présentent sans référent ni hiérarchie interne, créant et recréant des interrelations, négociant et partageant leur espace à la fois en tant qu’hôtes et invités.

Le travail d’atelier est un travail d’imagination. La pratique picturale de Jinny Yu est captivante par sa subtilité et sa retenue. Profondément philosophique, son travail est poétiquement politique et discrètement beau. Comme tous les artistes engagés, Yu puise dans la plénitude du monde qui l’entoure, ce qui résonne avec le plus de pertinence pour elle, et transforme un geste, un matériau, une image ou une pensée en un voyage immersif dans sa conscience, son état d’esprit. Elle nous invite à entrer dans ses fragments de pensée alors qu’ils se révèlent petit à petit et tout à la fois – à toujours ralentir et à méditer sur des contradictions suspendues de manière éthérée, non pas pour être résolues, mais plutôt absorbées. Sa capacité à analyser des distinctions fines et poignantes révèle qu’elle est très à l’écoute des dynamiques de pouvoir et qu’elle possède une fibre sensible et réceptive à travers laquelle elle comprend et perçoit les choses.

1 Sauf indication contraire, toutes les citations de l’artiste proviennent d’une discussion avec l’artiste à son atelier à Ottawa le 14 août 2023.

2 Texte d’exposition de 2023 pour jinny yu : at once à Musée des beaux-arts de l’Ontario, Toronto
(22 juin, 2024 – 5 janvier, 2025). Archives de l’artiste.

3 Citation de l’artiste dans Jinny Yu : to activate space (Montréal: Éditions Art Mûr, 2014), p. 43.

4 Pour plus d’informations sur Hôte, voir https://artmur.com/en/artists/jinny-yu/hote/ et voir la présentation
du livre d’artiste hôte (2021), produit par le Korean Cultural Centre https://www.youtube.com/watch?v=4n33OcjDCls.

Hôte fait désormais partie de la collection du Musée des beaux-arts de Montréal.

5 « Virtual Artist Studio Visit: Jinny Yu », YouTube < https://www.youtube.com/watch?v=4n33OcjDCls > à 315. (consulté le 25 novembre 2023)

6 Georgia O’Keeffe, Untitled (Patio Door), ca. 1946, Graphite sur papier, 43,2 x 35.6 cm, Musée Georgia
O’Keeffe, don de The Burnett Foundation, 1997.6.3 https://collections.okeeffemuseum.org/object/89

7 Voir Georgiana Uhlyarik, « The “Light One”: A Case Study » dans Georgia O’Keeffe (Londres: Tate Publishing, 2016).

8 Anong Beam, pierres à peindre faites à la main à partir de matériaux récoltés sur l’île Manitoulin, en Ontario.
https://www.beampaints.com/products/o-keeffe-and-martin-palettes?variant=39291853537349 (consulté
le 25 novembre 2023) Palette d’[Agnès] Martin : Ultra Grey, Payne’s Grey, Mars Black et Limestone White.